IGSHAAN ADAMS : Verkenning
May 8 - July 25, 2025
Casey Kaplan Gallery, 121 W 21th St, New York, NY, 10001
이그샨 아담스 (Igshaan Adams) - <Verkenning>
케이시 카플란(Casey Kaplan) 갤러리는 이그샨 아담스의 세 번째 개인전 <Verkenning>을 개최하게 되어 기쁩니다. 전시 제목인 'Verkenning'은 아프리칸스어로 "탐험하다 또는 지식을 얻는 과정"을 의미합니다. 2023년부터 현재까지 제작된 벽면 태피스트리, 매달린 조각, 그리고 3차원 직조 작업 연작을 통해 아담스는 '움직임'을 하나의 매체로 다루며 공동체와 개인의 물질적 역사를 해독합니다.
개별 행동의 진보는 본질적으로 집단의 활동과 연결되어 있으며, 그 틀 안에서 개인의 동력은 자아에 대한 꾸준한 발굴을 이끌어냅니다. 아담스는 공동체의 이동, 주거지 통로에 남은 시간의 흔적, 또는 신체의 리드미컬한 춤을 추적함으로써, 예상치 못한 장소에서 억압된 기억이 어떻게 끄집어내 지고 재창조되는지를 탐구합니다. 남아프리카 공화국 아파르트헤이트(인종차별 정책) 시대의 아이로 자란 아담스는 케이프타운의 과거 인종 격리 구역이었던 본테헤우벨(Bonteheuwel)에서 인종, 계급, 종교의 경계 속에 겹겹이 쌓인 정체성의 제약들을 헤쳐 나갔습니다. 이러한 제약들이 문화적, 물리적 풍경을 형성함에 따라, 아담스는 의례의 전복, 전통의 재발견, 퀴어 정체성의 고양을 포함하는 다학제적 실천을 통해 그 공간을 해체하는 법을 배웠습니다. 직조, 조각, 설치 및 퍼포먼스를 통해 아담스는 신체가 이러한 역사들을 어떻게 의도적으로, 혹은 자신도 모르는 사이에 간직하고 재생산하는지를 전달합니다. 자신의 서사와 그것을 묶는 경직된 공간에서 영감을 얻은 아담스는 개념과 행동을 통해 자신의 공동체를 활용하여 저항과 생존, 그리고 궁극적으로는 치유에 관한 새로운 이야기들을 조각해 냅니다.
아담스는 갤러리 입구를 압도하는 파편화된 다부작 형태의 조밀한 태피스트리와 매달린 조각들을 통해 하이드벨드(웨스턴케이프의 한 교외 지역)에 인간이 다시 그어놓은 선들을 강조합니다. 항공 지도를 시작점으로 하여, 아담스는 개인의 사용에 의해 새겨진 발자국(footpaths)을 확대합니다. 이는 지속적인 움직임과 그 길을 처음 여행한 이들의 용기를 통해 사회 경제적 지형을 변화시키는 행위입니다. 원래 ICA 보스턴(2024-2025)에서 그의 "Desire Line(열망의 선)" 시리즈의 일부인 장소 특정적 설치 작품 "Lynloop"으로 전시되었던 이 작업을, 작가는 이곳에서 불규칙한 패턴과 다양한 규모로 기존 경로 주변의 통로들을 자르고 재그룹화하여 재구성했습니다. 재료들은 마지막 저항의 행위로서 분홍색과 산호색 톤으로 직조되었으며, 와이어로 만든 '구름'들이 차분한 파스텔조의 덧없는 숲속에 얽힌 채 공간 전체에 느슨하게 매달려 있습니다. 지역에서 구한 유리, 나무, 플라스틱 비즈, 모헤어, 로프, 타이거 테일 와이어, 로즈 골드 체인을 사용하여 아담스는 때로는 위험하고 과도하게 남성적인 동네의 가장자리를 부드럽게 만들며, 가혹한 기억의 구석으로부터 이야기를 다시 들려주고 보듬습니다. 이러한 전복 속에서 아담스는 현상 유지에서 벗어나 약속의 장소로 향하는 문자적, 영적 이동을 장려하는 변화된 경험을 상상합니다.
(조상과 지역 사회의) 집단적 움직임에 의해 남겨진 잔해와 유사하게, 아담스의 '댄스 프린트' 태피스트리 시리즈는 노던케이프주 오키프(O’okiep)에 기반을 둔 무용단 '개러지 댄스 앙상블(Garage Dance Ensemble)' 단원들의 개별적인 발놀림을 기념합니다. 2023년에 시작되어 두 국가에 걸쳐 진행 중인 이 협업에서, 아담스는 무용수들이 잉크가 칠해진 플라스틱 시트 위에 놓인 빈 캔버스 위를 직관적으로 가로지르게 하고, 그 뒷면에 발자국이 기록되게 합니다. 직사각형의 외벽은 경계 역할을 하지만, 무용수들은 그 틀을 깨고 나옵니다. 그들의 신체는 변화를 위한 촉매제가 되어 그들을 묶고 있는 현실로부터 해방됩니다. 여기서 '움직임'은 매체입니다. 각 행동은 내부의 기억 저장소를 자극하여 고통을 저항으로, 그리고 결국 즐거움으로 몰아넣습니다. 그 결과물은 흩어진 발자국과 단일한 몸짓들의 콜라주이며, 각각은 독특한 인생 이야기를 전달합니다. 이후 아담스는 이를 직조를 위한 템플릿으로 재사용합니다. 작품의 조밀하게 짜인 표면 안에서, 신체의 흔적은 선명한 색상의 비즈, 면사, 천, 로프, 체인, 모헤어 조각들로 장식되며, 각 태피스트리의 제목은 해당 무용수의 이름을 따서 지어집니다.
아담스의 최근작들은 무거운 과거와 가벼운 미래 사이의 문턱처럼 작용하며, 드림캐처처럼 벽에 느슨하게 걸려 있습니다. 주변의 태피스트리들이 짜임새가 확고한 반면, 이 작품들은 투과성을 지니고 있으며 짜이지 않은 빈 공간과 불규칙하고 느슨한 끝부분과 함께 공간에 떠 있습니다. 주로 금속 비즈, 체인, 귀걸이, 동기 부여 문구가 담긴 참(charms)으로 제작된 이 자유롭게 떠 있는 태피스트리들은 무용수들의 흔적을 복제하면서도 신체가 지면에 닿는 부분을 비워둡니다. 조밀한 재료와 열린 짜임 사이의 대비는 구멍들이 유사 지형에 안착함에 따라 지형도의 효과를 만들어냅니다. 갤러리 벽을 타고 오르는 움푹 파인 통로들처럼, 이 태피스트리들은 개인과 공동체의 갈망을 나타내며 움직임을 통해 기억을 가두는 동시에 풀어놓습니다. 여기서, 그리고 아담스의 삶과 실천 전반에서, 한 인생의 여정은 처한 상황에도 불구하고 저항과 자의지를 통해 변화합니다.
Casey Kaplan is pleased to present Igshaan Adams’ third solo exhibition, Verkenning, translating from Afrikaans as “to explore or the process of gaining knowledge.” In a series of wall-based tapestries, hanging sculptures, and three-dimensional weavings spanning 2023 – the present, Adams decodes communal and individual material histories by treating movement as medium.
The progress of individual action is inherently tied to the activity of the collective—within its parameters, personal impetus drives a steady unearthing of the self. By tracking the migration of communities, the time stain of domestic pathways, or the rhythmic dance of the body, Adams explores how, within unlikely places, suppressed memory is dislodged and reinvented. As a child of apartheid in South Africa, Adams navigated the constraints of a layered identity within the boundaries of race, class, and religion in Bonteheuwel, a former segregated suburb of Cape Town.
As these restrictions shaped the cultural and physical landscape, Adams learned to disrupt that space through a multidisciplinary practice that included subversion of ritual, reinvention of tradition, and elevation of queer identity. Through weaving, sculpture, installation, and performance, Adams communicates how the body holds and regenerates these histories with deliberation and in spite of itself. Drawing inspiration from his own narrative and the rigid space that binds it, Adams employs his community, through concept and action, to sculpt new stories of resistance, survival, and, ultimately, healing.
Adams highlights the redrawn, human-made lines in Heideveld (a suburb in the Western Cape) in a fragmented, multi-part series of densely woven tapestries and hanging sculptures that dominate the gallery’s entrance. Using an aerial map to start, Adams zooms in on the footpaths carved by individual use—a practice that alters the socio-economic terrain through sustained movement and the courage of those who first traveled it. Originally displayed as the site-specific installation “Lynloop” at the ICA Boston (2024 – 2025) as part of his “Desire Line” series, Adams reconstitutes the work here, cutting up and regrouping the surrounding pathways of an established route in irregular patterns and varying scales.
Materials are woven in tones of pink and coral in a final act of defiance; wire “clouds” hang loosely throughout the space, entangled in an ephemeral forest of muted pastel hues. With locally sourced glass, wood, plastic beads, mohair, rope, tiger tale wire, and rose gold chain, Adams softens the edges of a hyper-masculine and, at times, treacherous neighborhood, retelling and nurturing a story from the recesses of a harsh memory. In this subversion, Adams imagines an altered experience that encourages a literal and spiritual migration away from the status quo towards a place of promise.
Akin to the residue left behind by collective movement (of ancestors and localities), Adams’ series of dance print tapestries memorialize the individual footwork of members in the Garage Dance Ensemble, a dance troupe based in O’okiep, in the Northern Cape Province. In an ongoing collaboration that began in 2023 and spanned two countries, Adams encourages dancers to intuitively travel across a blank canvas laid atop an ink covered sheet of plastic, while imprints of their steps are recorded on the reverse. With the rectangular encasement acting as a boundary, the dancers burst from it – their bodies acting as catalysts for change, liberated from the reality that binds them.
Movement, here, is medium – each action stirring an internal memory bank, propelling pain into resistance into eventual joy. The resulting image is a collage of scattered footprints and singular gestures, each conveying a unique life story, later repurposed by Adams as a template for weaving. Within the works’ densely woven surface, markings of the body are embellished with patches of vibrantly colored beads, cotton twine, fabric, rope, chain, and swathes of mohair as each tapestry is titled after its individual dancer(s).
Adams’ recent works act like thresholds between a weighted past and a lighter future, hanging loosely off the wall like dreamcatchers. Whereas the surrounding tapestries are resolute in their weave, these works possess a permeability, hovering in space with open, unwoven areas and irregular, loose ends. Mostly produced with metallic beads, chain, earrings, and motivational charms, these free-floating tapestries also replicate the imprints of dancers, leaving bare the areas where bodies meet the ground.
The contrast between the dense material and the open weave produces the effect of a topographical map as the holes nestle into a pseudo terrain. Like the recessed pathways that scale the gallery walls, these tapestries manifest individual and communal longing, trapping and simultaneously dislodging memory through movement. Here, and in Adams’ life and practice in sum, the trajectory of a life’s journey is altered through resistance and self-will, despite its circumstance.
