NICOLAS PARTY : Dead Fish
Jan 8 - Feb 14, 2026
Karma Gallery, 549 W 26th St, New York, NY 10001
I recently visited Nicolas Party’s solo exhibition. I heard he had a large-scale solo show in Korea last year as well. Even though it was a bit of a distance for some, I can imagine it created quite a buzz. I first encountered his work at Hauser & Wirth a few years ago, and this is now my second time seeing his solo exhibition in person. He is one of my personal favorite artists, and since this particular show features a vast number of small-scale works, I’m planning to split my review into two separate posts due to the sheer volume of photos I want to share.
The artist reimagined his previous subjects onto small copper plates for this series. I was told these are all small-scale works intended for his personal collection, so they are not for sale. Despite their diminutive size, the level of detail and the exquisite finish in each piece clearly show the immense effort put into them. Knowing that he dedicated over four years to this project, I could truly sense how much heart he poured into it. I also had the chance to attend an artist talk during the exhibition period, where I could glimpse his deep affection and passion for this latest body of work.
니콜라스 파티: Dead Fish
<Dead Fish> 전시에서 니콜라스 파티는 구리판 위에 그린 유화 작품들을 통해 자신의 예술 세계를 되돌아봅니다. 각각의 작품은 그가 이전에 그렸던 구성을 작은 크기로 다시 작업한 것들입니다. 파티는 자신의 작품을 스스로 복제하는 동시에, 거장들의 그림을 재현하는 오랜 미술사적 전통에 참여합니다. 예를 들어, 프란시스코 고야의 <황금 도미가 있는 정물> (1808–12)을 모티브로 하여 리넨 위에 직접 파스텔로 습작을 만들었고, 이 습작은 다시 구리판 유화 정물화로, 그리고 최종적으로 이번 전시의 하이라이트인 거대한 파스텔 벽화로 이어졌습니다. 이 '죽은 물고기'의 행렬은 시간을 되감아 과거를 현재로 불러옵니다.
나지막한 아치형 입구를 지나 첫 번째 방에 들어서면, 로코코 시대의 은은한 먼지 낀 분홍색(Dusty Pink) 벽이 과거의 역할을 재현하는 캐릭터들을 위한 무대 배경이 되어줍니다. 마르셀 뒤샹의 <여행 가방 속의 상자>—작가의 주요 작품들을 작게 복제해 가방에 담은 것—처럼, 이번 전시는 파티의 지난 13년 인생을 담은 일종의 '경이로운 방(Wunderkammer)' 혹은 호기심의 캐비닛과 같습니다. 파티는 이전 작업에서 보여준 부드러운 파스텔의 질감을 구리판 위 유화의 정교한 붓터치로 옮겨냈습니다. 이러한 '다시 그리기'라는 의례적 행위는 르네상스 시대의 제단화 전통과 맥을 같이 하며, 아치형 캔버스와 구리를 소재로 선택한 것 역시 16세기 말과 17세기 초 거장들이 경건한 이미지를 만들 때 즐겨 사용했던 방식입니다.
이 '축소판 회고전'은 초상화, 정물화, 풍경화라는 전통적인 학술적 회화 카테고리를 끊임없이 재발명하는 파티의 저력을 증명합니다. 중성적인 인물들의 초상화는 붉은색이나 바다 거품 같은 초록색 피부로 표현되어 사실주의적인 기대를 깨뜨리고, 때로는 버섯이나 뱀 같은 상징적 요소들이 인물과 하나로 합쳐진 기괴한 모습으로 나타납니다. 정물화(Nature Morte)에서도 파티는 사물을 의인화합니다. <정물 (구리 버전)> (2025)에서는 배들이 지친 듯 서로에게 쓰러져 있는가 하면, 다른 작품에서는 보석 같은 색감의 매끄러운 몸을 꼿꼿이 세우고 주의를 집중하는 듯 보입니다. 풍경화에서는 비현실적인 색채와 과장된 형태를 통해 자연과 시간을 낯설게 만듭니다. <나무들 (구리 버전)> (2025)의 산호빛 붉은 줄기들은 그림자가 잘린 채 기묘하게 평평한 푸른 배경 위로 툭 튀어나와 보입니다.
두 번째 공간으로 들어서면 또 다른 아치가 거대한 파스텔 벽화 (2026)를 프레임처럼 감싸 안습니다. 이 장소 특정적 설치물은 주제와 일시적인 특성을 통해 '덧없음'을 환기합니다. 고야의 작품을 재해석한 이 벽화는 벨벳 같은 색채의 추상적인 들판 위에 초점 없는 눈을 한 다섯 마리의 물고기가 쌓여 있는 모습입니다. 19세기 초 고야의 원작이 작가 자신의 필멸성과 반도 전쟁의 잔혹함을 반영한 것으로 해석되었듯, 파티는 세 번에 걸친 재해석을 통해 수 세기 동안 거장의 작품이 복제되고 변형되어 원작자의 존재를 넘어선 미술사적 과정을 한 전시 안에 압축해 보여줍니다. 니콜라스 파티의 세계는 과거가 현재에 새롭게 떠오르는, 시대착오와 재발명의 세계입니다.
Dead Fish
In Dead Fish, Nicolas Party surveys his practice through oil-on-copper paintings, each of which is a small-scale reworking of an earlier composition. While copying himself, Party also engages the long art-historical tradition of reproducing paintings by the masters: from Francisco Goya’s Still Life with Golden Bream (1808–12), he has created a direct pastel-on-linen study. The study inspired a related oil-on-copper still life of Party’s own, which in turn became the basis of the pastel mural at the apex of the exhibition. This array of dead fish winds time around itself, bringing the past into the present.
A low, arched doorway invites viewers into the exhibition’s first room. Coated in a dusty Rococo pink, its walls set the mise-en-scène for a cast of painted characters reprising past roles. Like Marcel Duchamp’s Boîte-en-valise (1935–41)—a suitcase containing small replicas of the artist’s major works—the exhibition is a kind of Wunderkammer, or cabinet of curiosities, presenting specimens from the past thirteen years of Party’s life. In these scaled-down reduxes of earlier compositions, Party translates the soft transitions of his hand-blended pastels as precise strokes of oil on copper. Through the ritual act of repainting, the artist engages in the devotional tradition of the Renaissance altarpieces and triptychs that have informed various facets of his practice, from his use of arched canvases and doorways to his choice of copper as a substrate: the metal was most popular at the end of the sixteenth and the beginning of the seventeenth centuries, when artists used it to create their own reverential images.
This retrospective in miniature attests to Party’s ongoing reinvention of traditional academic painting categories like the portraiture, still life, and landscape. His portraits of often-androgynous figures estrange any expectation of naturalism, their skin rendered in uncanny shades like scarlet and seafoam green. These busts at times incorporate allegorical elements such as mushrooms and snakes that appear to merge with their hosts. With his nature morte paintings, Party anthropomorphizes his inanimate subjects, as in one Still Life (Copper Version) (2025) in which pears slump over each other as if exhausted, and another, where their surreally smooth, jewel-toned bodies sit up straight, at attention. In certain landscapes, which depict imagined vistas rather than specific places, Party uses otherworldly color and exaggerated form to estrange both nature and time; barren, coral-red stalks in Trees (Copper Version) (2025) pop against an eerily flat blue ground that cuts off their shadows. In other, more expressionistic renderings of invented environments, such as the icy Mountains (2023), Party creates scenes at once familiar and foreign, extending beyond our natural world while remaining anchored in it.
Leading viewers into a second space, another arch frames a view of the monumental pastel mural Dead Fish (2026). The site-specific installation evokes impermanence through both its ephemerality and its subject matter: modeled on Party’s oil-on-copper interpretation of Goya’s Still Life with Golden Bream, the mural depicts five fish with vacant eyes lying in a heap in an abstract field of velvety color. Since its creation in the early nineteenth century, the Spanish master’s original painting has been interpreted as a reflection on his own mortality as well as the unrelenting carnage of the Peninsular War, which shook the artist’s faith. With his three iterations of Still Life with Golden Bream, Party compresses into a single exhibition the centuries-long art-historical process of old master paintings being copied and recopied until they transcend their original authors. Party’s world is one of anachronism and reinvention, where the past surfaces anew in the present.
손바닥만 한 작은 구리판 위에 펼쳐진 그림들을 보고나니, 예술의 위대함은 결코 크기에 비례하지 않는다는 것을 다시금 깨달았어요. 작가가 4년이 넘는 시간 동안 오직 자신만을 위해, 그리고 자신의 과거를 기록하기 위해 이 작은 공간들을 채워 나갔을 그 고요한 집념이 작품 하나하나의 매끄러운 마감에서 고스란히 전해졌어요.
전시장에서 직접 만난 니콜라스 파티는 자신의 작업에 대해 누구보다 깊은 애정을 가진 사람이었어요. 판매를 목적으로 하지 않고 오직 '본질'에 집중한 이 특별한 프로젝트는, 그래서인지 오늘날 그 어떤 화려한 대작보다도 더 묵직한 울림으로 다가왔어요. 사진이 너무 많아 다 보여드리지 못한 아쉬움을 뒤로하고, 다음 포스팅에서는 이번 전시의 하이라이트인 대형 파스텔 벽화와 더 깊은 디테일들을 담은 2탄으로 돌아올게요. 기대해 주세요.
After seeing the paintings unfolded on these small, palm-sized copper plates, I realized once again that the greatness of art is never proportional to its scale. The quiet tenacity of the artist—who spent over four years filling these small spaces solely for himself and to document his own past—is palpably felt in the exquisite, smooth finish of each piece.
Meeting Nicolas Party in person at the gallery, I saw a man with a deeper affection for his work than anyone else. Perhaps because this special project focused purely on "essence" rather than commercial sale, it resonated more powerfully than many of today’s flamboyant masterpieces. Since I couldn't share all the photos due to the sheer volume, I’ll be back with Part 2, featuring the exhibition’s highlight—the monumental pastel murals—and even more intricate details. Please stay tuned.