CHUCK CLOSE : Chuck Close and Pulp
Feb 12 - Mar 14, 2026
Pace Prints Gallery, 536 W 22nd St, New York, NY 10011
척 클로스는 20세기 후반 현대 미술을 상징하는 미국의 거장이에요. 그는 자신의 주변 인물이나 자화상을 아주 거대한 크기의 사진처럼 그리는 극사실주의 기법으로 이름을 알리기 시작했어요. 하지만 그의 인생은 예술보다 더 극적인데요. 1988년에 척 클로스는 갑작스러운 척수 동맥 허탈로 전신 마비라는 큰 시련을 겪게 되었다고해요. 하지만 그는 포기하지 않았어요. 휠체어에 몸을 묶고 손목에 붓을 고정시킨 채 다시 그림을 그리기 시작했죠. 몸을 자유롭게 쓸 수 없게 되자, 그는 화면을 아주 작은 격자로 나누고 그 칸 하나하나에 추상적인 무늬나 점을 채워 넣는 방식을 선택했어요. 멀리서 보면 완벽한 얼굴이지만, 가까이서 보면 수만 개의 작은 추상화가 모여 있는 형태죠. 이번 전시에서 본 종이 펄프 작업들도 그런 격자 시스템이 판화와 만나 얼마나 정교하게 완성되는지 보여주는 아주 귀한 작업들이에요.
Today, I’m sharing my visit to the Chuck Close exhibition. As a figure who always appears in art history books, I find many opportunities to encounter his work here in New York. He is so famous and beloved that his pieces are almost always included in major collection shows, and you can even find his public art installations in subway stations. This particular exhibition, titled Pulp, is currently being held at Pace Prints. It seems to be organized in conjunction with the large-scale retrospective taking place at the main Pace Gallery building.
Chuck Close is a master of American art who symbolizes the late 20th century. He first made a name for himself with his photorealistic technique, creating massive portraits of his acquaintances and himself that looked like giant photographs. However, his life was even more dramatic than his art. In 1988, he faced a tremendous challenge when he became paralyzed due to a sudden spinal artery collapse. Yet, he never gave up. He began painting again by strapping himself into a wheelchair and securing a brush to his wrist. Since he could no longer move his body freely, he chose a method of dividing the canvas into tiny grids and filling each cell with abstract patterns or dots. From a distance, it appears as a perfect face, but up close, it reveals itself as a composition of tens of thousands of tiny abstract paintings. The paper-pulp works I saw in this exhibition are rare and precious pieces that demonstrate how exquisitely this grid system can be realized through the medium of printmaking.
Chuck Close and Pulp
페이스 프린츠는 척 클로스의 종이 펄프 작업 중 주요한 작품들을 한데 모으고, 그 제작 과정에서 사용된 틀과 도구들을 함께 보여주는 전시인 척 클로스와 펄프를 개최하게 되어 기쁩니다. 이번 전시는 척 클로스 재단과 협력하여 2026년 2월 12일부터 3월 14일까지 웨스트 22번가 536번지에서 열립니다. 오프닝 리셉션은 2월 12일 목요일 오후 6시부터 8시까지 진행됩니다.
척 클로스가 판화와 본격적으로 인연을 맺은 것은 1960년대 초 예일 대학교 대학원에서 회화와 판화를 복수 전공하던 시절부터입니다. 그 후 수십 년의 경력 동안 클로스는 여러 판화가들과 긴밀히 협력하며 에칭, 메조틴트, 리노컷, 목판화, 실크스크린 등 광범위한 기법을 실험하고 연마하여 역동적인 판화 작품들을 만들어냈습니다.
이번 전시는 1980년대 초 클로스가 혁신적인 판화가이자 제지 전문가인 조 윌퍼와 협력하여 작가 생애 첫 종이 펄프 에디션을 제작하며 판화 실천을 크게 확장했던 시기를 조명합니다.
원래 클로스는 종이 펄프 작업에 소극적이었으나, 윌퍼로부터 이 매체의 잠재력에 대해 설득을 당했고, 두 사람은 스프링 스트리트 워크숍에서 18개의 종이 펄프 에디션과 다수의 독특한 종이 작업들을 생산해냈습니다. 그들의 첫 협업 작인 키스(1981)는 이후 두 사람이 이룩하게 될 기술적 제어, 규모, 그리고 미학적 성취의 기점이 되는 작품입니다.
윌퍼가 클로스의 제지 작업에 도입한 수많은 혁신 중에서도 대형 격자형 스텐실의 사용은 작가의 정교한 요구 사항을 충족하는 데 필수적이었습니다. 이번 전시에는 1982년작 로버트와 필 제작에 사용된 시중의 형광등 덮개를 활용한 초기 스크린부터, 1984년작 조지아를 위해 맞춤 제작된 황동 장치까지 여러 격자 틀이 포함되어 있습니다. 이러한 격자 구조는 클로스가 초기 극사실주의 회화를 그릴 때 사용한 시스템을 반영하며, 이후 그의 회화가 점점 더 해체된 격자 구성을 드러내고 이에 의존하게 될 것임을 예고합니다.
"나의 독창적인 작업에서 일어난 거의 모든 일은 판화로 거슬러 올라갈 수 있다." - 척 클로스
1995년 윌퍼가 세상을 떠난 후, 클로스는 2001년 자화상/펄프(2001)를 제작하며 다시 종이 펄프 작업으로 돌아왔습니다. 이때는 1980년대 초 윌퍼의 조수였던 루스 린겐과 함께 작업했습니다. 린겐은 마일라 시트를 활용해 종이 펄프를 겹겹이 쌓아 올리는 자신만의 혁신적인 기법을 클로스의 작업에 도입했습니다. 전시장에는 이 과정을 보여주는 자화상/펄프의 중간 인쇄본도 함께 전시됩니다.
"척 클로스와 판화 프로젝트를 하는 것은 마치 그가 어린 시절 연습했던 마술을 부리는 것과 같았습니다. 척이 어떤 공정을 사용하든 판화는 세심하게 고려되고 계획되었으며, 완성된 이미지는 때때로 까다로웠던 제작 과정을 압도할 만큼 빛났습니다. 척의 놀라운 안목과 규모 및 기술의 한계를 뛰어넘으려는 의지는 그의 프로젝트들을 내 경력의 하이라이트로 만들어 주었습니다." - 루스 린겐, 페이스 페이퍼 창립 이사
Chuck Close and Pulp
Pace Prints is pleased to announce Chuck Close and Pulp a process-intensive and expository exhibition that compiles a selection of important paper-pulp works by the artist and presents them alongside the matrices and studio tools used in their creation. The exhibition is presented in collaboration with the Chuck Close Estate and will be on view from February 12 – March 14, 2026, at 536 West 22nd Street. There will be an opening reception held on Thursday, February 12 from 6–8pm.
Chuck Close’s formal engagement with printmaking began in the early 1960’s during his time in graduate school at Yale University, where he completed a double major in Painting and Printmaking. Throughout his ensuing decades-long career, Close worked closely with a community of printers to create a vibrant and robust body of prints and editions—refining and experimenting with an expansive set of techniques, including etching, mezzotint, linocut, woodcut, and silk screen, among others.
This show highlights a major expansion of Close's printmaking practice that began in the early 1980’s when Close worked closely with Joe Wilfer, an innovative printer, papermaker, and former publications director at Pace Editions, to produce the artist’s first paper-pulp multiples.
Originally reluctant to work with paper-pulp, Close was eventually convinced by Wilfer of the medium’s potential, and together they would go on to produce 18 paper-pulp editions and a number of unique paper works at The Spring Street Workshop. The earliest publication stemming from their collaboration, Keith (1981), represents the origin point for the innovations in technical control, scale, and aesthetic achievements in paper-pulp the pair would go on to produce.
Of the many innovations Wilfer introduced to Close’s papermaking, the usage of large-scale gridded stencils was essential to achieving the artist’s exacting specifications for his work. Several of these grids are included in the exhibition, from early ready-made screens for Robert (1982) and Phil (1982), utilizing commercially available fluorescent light covers, to a later custom-built brass shim apparatus for Georgia (1984). These grids mirror the systems with which Close was able to paint his early photorealistic work, and foreshadow developments in his paintings, which increasingly revealed and relied upon deconstructed gridded compositions throughout his later career.
“Virtually everything that has happened in my unique work, can be traced back to the prints.” - Chuck Close
After Wilfer’s death in 1995, Close returned to paper-pulp in 2001 to create Self Portrait/Pulp (2001). This time working with Ruth Lingen, founding director of Pace Paper, who had been Wilfer’s assistant during the creation of Close’s paper-pulp works from the early 1980’s. Lingen brought her own innovations to Close’s multiples by utilizing mylar sheets to build up overlapping layers of paper-pulp. A progressive proof of Self Portrait/Pulp (2001) is included in the exhibition, showcasing this process.
“Working with Chuck Close on a print project was like creating magic, something he practiced in his youth. Whatever process Chuck used, the prints were carefully considered and well planned, and the finished image always outshone the sometimes difficult execution of them. Chuck’s incredible eye, combined with his willingness to push the limits of scale and technique, made his projects some of the highlights of my working career.” - Ruth Lingen, Founding Director of Pace Paper
Original Text From Pace Prints
척 클로스의 작품 앞에 서면 예술가의 집요함이 만들어낸 거대한 질서에 압도당하는 기분이 들어요. 신체적인 한계를 넘어서기 위해 선택했던 그 작은 격자 하나하나가 모여 결국 타인의 얼굴을 완성해내는 과정은 볼 때마다 경이롭기만 하네요. 특히나 똑같은 인물을 정말 여러번, 여러 방식으로 구현해낸 과정 자체가 작가의 집념을 볼 수 있었던것 같아 더 특별하게 느껴져요.
특히 페이스 프린트에서 마주한 종이 펄프 작업들은 판화라는 매체가 가진 물질적인 매력과 작가의 정교한 시스템이 만나 얼마나 깊이 있는 결과물을 만들어내는지 잘 보여주고 있었어요. 멀리서 바라보는 완벽한 초상보다, 가까이 다가가 마주한 그 수만 개의 작은 추상적인 칸들이 저에게는 더 큰 위로로 다가왔던 시간이었어요.
Standing before the works of Chuck Close, I feel completely overwhelmed by the immense sense of order created through an artist's sheer persistence. Watching how those tiny grids, originally chosen to transcend physical limitations, eventually come together to complete a human face is a marvelous experience every time I witness it. What makes it feel even more special is the process itself—seeing the same subject realized so many times through such diverse methods truly reveals the artist's profound tenacity.
The paper-pulp works I encountered at Pace Prints perfectly demonstrated how the physical charm of printmaking and the artist's sophisticated system can merge to create such deep and meaningful results. Rather than the perfect portrait seen from a distance, it was those tens of thousands of tiny abstract cells discovered up close that provided a greater sense of comfort during my time there.