RUTH ASAWA : A Retrospective
Oct 19, 2025 - Feb 7, 2026
MoMA, 11 W 53rd St, New York, NY 10019
루스 아사와는 섬세한 금속 선을 엮어 마치 공중에 떠 있는 듯한 환상적인 조각을 만드는 작가에요. 그런데 이렇게 훌륭한 작가가 이제야 전 세계적으로 뜨거운 주목을 받게 되었어요. 여기에는 몇 가지 이유가 있는데요, 먼저 그녀가 일본계 미국인 여성으로서 겪어야 했던 시대적 차별이 있었다고해요. 제2차 세계대전 당시 그녀의 가족은 일본계라는 이유로 수용소에 격리되는 아픔을 겪기도 했죠. 그리고 그녀의 '철사 엮기' 작업이 당시 주류 미술계에서는 예술보다는 공예나 가사 노동의 연장선으로 과소평가받았기 때문이었어요. 하지만 시대가 변하며 예술과 공예의 경계가 허물어졌고, 그녀의 독창적인 기법과 그 안에 담긴 인내의 미학이 재평가받으면서 지금은 모마(MoMA)를 비롯한 전 세계 주요 미술관이 가장 사랑하는 작가가 되었어요.
She is an artist I truly admire, so I tried not to miss a single drawing and ended up taking quite a lot of photos. Although I wasn't familiar with her work when I was in Korea, she is one of the artists I discovered and fell in love with after moving to New York. Especially as someone who majored in sculpture, finding her work was like discovering a hidden treasure. I’ve had a few chances to see her work before at her representative gallery and the Whitney Museum, but this MoMA exhibition was the largest to date, so I really took my time and focused on every detail.
Ruth Asawa is known for creating ethereal, hanging sculptures by intricately weaving delicate metal wires. Despite her brilliance, it is only recently that she has gained such intense global recognition. There are a few reasons for this: first, she faced the systemic discrimination of her time as a Japanese-American woman. During World War II, her family suffered the hardship of being held in an internment camp simply because of their heritage. Furthermore, her "wire-weaving" was long undervalued by the mainstream art world, dismissed as mere craft or an extension of domestic work rather than fine art. However, as the boundaries between art and craft have blurred over time, her original technique and the aesthetic of patience embedded in her work have been re-evaluated. Today, she has become one of the most beloved artists by major institutions worldwide, including MoMA.
루스 아사와: 회고전 Ruth Asawa: A Retrospective
“나는 무언가를 표현하는 것에는 큰 관심이 없습니다. 그보다는 재료가 무엇을 할 수 있는지에 더 관심이 있어요. 그것이 내가 계속해서 탐구하는 이유입니다.” 60년에 걸친 자신의 경력을 되돌아보며 예술가이자 교육자, 시민 운동가였던 루스 아사와는 이렇게 말했습니다. 약 300점의 작품을 선보이는 《루스 아사와: 회고전》은 철사 조각, 브론즈 주물, 드로잉, 회화, 판화, 공공 미술 등 다양한 매체를 통해 재료와 형태를 탐구해 온 작가의 평생에 걸친 여정을 보여줍니다. 작가 사후에 열리는 첫 번째 조사 성격의 이번 전시는 아사와가 재료와 사물을 어떻게 끊임없이 명상의 대상으로 변화시켰는지, 그리고 추상과 구상, 형상과 배경, 그리고 음의 공간과 양의 공간 사이의 경계를 어떻게 뒤흔들었는지를 기념합니다.
아사와는 1940년대 후반 블랙 마운틴 칼리지(Black Mountain College)에서 수학하던 시절부터 종이와 철사 같은 단순한 재료가 제공하는 무궁무진한 가능성을 추구하며 매일 예술 활동을 했습니다. 1949년 샌프란시스코로 이주한 후, 그녀의 작업은 추상적인 루프형 철사 조각의 끝없는 변주부터 서예적인 느낌의 먹물 그림에 이르기까지 방대한 양의 작품을 생산하며 기하급수적으로 성장했습니다.
아사와에게 공동체는 매우 중요한 요소였습니다. 그녀는 1960년대 후반부터 분수, 벽화, 기념비 등 수많은 공공 프로젝트를 실현했으며, 베이 지역(Bay Area)과 그 너머에서 예술 교육의 최전선에 섰습니다. 그녀의 작업 방식에서 힌트를 얻은 이번 전시는 관객들이 그녀의 예술에 접근할 수 있는 수많은 입구를 제공하며 자세히 들여다보기를 권장합니다. 또한, 모든 행위에 창조적 잠재력이 있다고 믿었으며, 삶과 예술을 만드는 것 사이에 분리가 없었던 아사와가 일궈낸 통합된 예술 실천의 모델을 보여줍니다.
Ruth Asawa: A Retrospective
“I’m not so interested in the expression of something. I’m more interested in what the material can do. So that’s why I keep exploring,” said artist, educator, and civic leader Ruth Asawa, reflecting on a six-decade-long career. Featuring some 300 art
Asawa made art every day, pursuing the inexhaustible possibilities offered by simple materials such as paper and wire since her days at Black Mountain College, where she studied in the late 1940s. Following a move to San Francisco in 1949, her practice grew exponentially as she produced a body of work ranging from endless variations of abstract looped-wire sculptures to calligraphic ink paintings.
Community was crucial to Asawa, who realized numerous public commissions—fountains, murals, and memorials—from the late 1960s onward, and stood at the forefront of arts education in the Bay Area and beyond. Taking a cue from her own work, Ruth Asawa: A Retrospective offers numerous points of entry into her art, encouraging close looking. It also reveals the model of integrated art practice cultivated by Asawa, for whom all acts held a creative potential and for whom there was no separation between living and
루스 아사와의 작품들이 뒤늦게 세상의 빛을 보게 된 일화도 흥미로운데요. 그녀가 투병하던 시기, 병원비 마련을 고민하던 자녀들이 갤러리와 접촉하게 되었고, 그 과정에서 집안에 보관되어 있던 그녀의 작품 사진을 본 갤러리 관계자가 그 천재성에 경탄하며 대규모 전시가 시작되었다고 해요. 평생을 건축가 남편 앨버트 라니어와 함께하며 묵묵히 자식들을 키우고 예술을 지켜온 그녀의 삶이, 가장 절실했던 순간에 다시 위대한 예술로 발견된 셈이었어요.
조각을 전공한 저에게 그녀의 작업은 단순한 형태를 넘어, 재료에 대한 집요한 탐구와 인내가 빚어낸 경이로움 그 자체라고 할수있어요. 한국에서는 아직 생소할 수 있지만, 이번 모마(MoMA) 전시를 통해 더 많은 분이 루스 아사와라는 거장의 진면목을 발견하셨으면 좋겠어요. 뉴욕에서는 세계적인 갤러리 데이비드 즈워너를 비롯해서 모마, 휘트니등에서 연이어 개인전이 열리고 있는 중요한 아트스트에요.한국에서도 하루빨리 전시가 이루어졌으면 좋겠네요. 긴 포스팅 봐주셔서 감사합니다.
The story of how Ruth Asawa’s work finally gained worldwide recognition is truly fascinating. While she was battling illness, her children, concerned about medical expenses, reached out to a gallery. During that process, a gallery representative happened to see photos of the artworks she had kept at home and was completely awestruck by her genius. This led to the start of her major exhibitions. It was as if her life—spent raising her children and quietly protecting her art alongside her architect husband, Albert Lanier—was rediscovered as great art at her most critical moment.
As someone who majored in sculpture, her work is more than just form to me; it is the embodiment of wonder, born from a relentless exploration of materials and incredible patience. While she might still be an unfamiliar name in Korea, I hope many people can discover the true essence of Ruth Asawa through this MoMA exhibition. In New York, she is a major artist with consecutive solo exhibitions at world-renowned venues like David Zwirner Gallery, MoMA, and the Whitney. I truly hope we can see an exhibition of her work in Korea very soon. Thank you for reading this long post.