CHANG YE CHIN : Finding Ewha
Oct 30 - Dec 20, 2025
PERROTIN, 130 Orchard St, New York, NY 10002
I recently visited Chang Ya Chin’s solo exhibition at Perrotin Gallery. This is the artist’s first solo show with Perrotin. Chang creates intimate and highly sophisticated oil paintings that seamlessly blend the visual language of classical still life with a distinctly contemporary sensibility. The works were a joy to behold, combining traditional techniques with witty subject matter. Since the overall quality and craftsmanship of the pieces were so exceptional, I made sure to take several close-up shots for you to see the details.
Perrotin is a world-renowned gallery that can now be found in Korea as well. Their New York space is quite spacious, occupying all three floors of the building, so there are usually three different exhibitions running simultaneously. Every time I visit, I’m struck by how they consistently present works that are rich in sculptural and formal beauty. They often host sculpture exhibitions as well, and since I always discover fresh new artists here, it’s one of the galleries I look forward to visiting the most.
Finding Ewha
이화를 찾아서 Finding Ewha
홍콩에서 태어난 장야친은 피렌체, 파리, 그리고 뉴욕의 아틀리에에서 고전 회화를 공부했습니다. 기술적 정교함과 개인적인 관심사를 결합하여, 그녀는 18세기 프랑스 정물화가 장 시메옹 샤르댕(Jean Siméon Chardin)부터 현대 스웨덴 추상화가 힐마 아프 클린트(Hilma af Klint), 그리고 만화 <켈빈과 홉스(Calvin and Hobbes)>의 스타일에 이르기까지 다양한 참조점에서 영감을 얻은 시각적 언어를 발전시켜 왔습니다. 그 결과, 그녀의 작품들은 질감, 형태, 빛에 대한 거장다운 몰입과 동시에 유머와 장난기 어린 밑바닥 정서를 모두 갖추고 있습니다.
장야친의 작업 과정은 붓이 캔버스에 닿기 훨씬 전부터 시작됩니다. 온라인과 골동품 시장, 장난감 가게나 식료품점에서 물건을 수집하는 수집가로서, 그녀는 사물이 개인적이고 사회적인 의미를 담아내는 능력에 관심을 가집니다. 각 사물은 그 용도가 드러날 때까지 작가의 곁에 머뭅니다. 스튜디오에서 그녀는 조명과 작은 소품들(작가가 직접 실물을 보고 그리는 칼이나 밀짚모자 등)을 정교하게 배치하여 장면을 연출합니다. 일단 그림 속에서 존재감을 얻게 된 인물(사물)들은 작가의 손아귀를 벗어납니다. 대상들은 종종 그들만의 여정 중 교차로나 결정적인 지점에 나타나며 자신들만의 자율적인 논리를 갖게 됩니다. 그녀의 그림에서 '보는 행위'는 일종의 발굴 작업이 되며, 각각의 붓질은 더 깊은 질문을 유도합니다.
이번 전시 《이화를 찾아서(Finding Ewha)》에서 음식은 반복되는 주제입니다. 카레 어묵(Curry fish balls), 과일, 하가우(새우 딤섬) 등은 정성스럽게 묘사되어 향수를 불러일으킵니다. 이러한 사물들의 자연스러운 진화와 부패는 서사적 장치가 되어 시간의 흐름을 기록하고 장야친의 그림에 생생한 존재감을 불어넣습니다. 작품 <Traditions: Feast>에서 한 연회는 시간 속에 얼어붙은 듯 보입니다. 얇게 말린 고기들은 깔끔한 피라미드 형태로 쌓여 있고, 두부 피는 빳빳하게 다린 리넨처럼 정돈되어 접혀 있으며, 작은 화로와 국물에 들어갈 차례를 기다리는 완자들이 놓여 있습니다. 테이블 양 끝에 놓인 두 개의 밝은 귤은 차분한 색조에 활력을 주며 마치 살아있는 저녁 식사 손님처럼 보입니다. 위에서 내리쬐는 치아로스쿠로(명암대조법)의 정적 속에서, 이 장면은 일상적인 식사를 일종의 의식(ritual)으로 격상시키며 경건한 분위기를 자아냅니다.
또 다른 작품 에서는 대나무 줄기의 수직적인 리듬이 장면을 좁은 기둥 형태의 공간들로 나누며 마치 무대 세트 같은 느낌을 줍니다. 그 사이에서 작은 칼을 들고 밀짚모자를 쓴 배(pear) 한 알이 황당하면서도 위엄 있는 인물로 등장합니다. 달빛으로 해석될 수 있는 빛이 장면을 꿰뚫고, 작가의 정교한 그림자 처리는 불길한 분위기를 더합니다. 이러한 기발함과 절제 사이의 상호작용은 장야친 작업의 핵심입니다. 연관 작업에서 전투 장비를 갖춘 홀로 남은 배는 자신의 동족인 조각난 배들에 둘러싸여 있는데, 이 쐐기 모양의 파편들은 전리품이자 동시에 희생자로 읽힙니다. 근처에 떨어진 칼은 프레임 너머의 이야기를 암시합니다. 여기서 유머는 더 가슴 뭉클한 무언가로 이어집니다. 바로 필멸성과 삶의 취약함에 대한 명상입니다.
《이화를 찾아서는 장야친의 기술적 숙련도와 심리적 공간에 대한 깊어지는 탐구를 결합합니다. 그녀의 작업은 가둠과 확장 사이의 공간에 머물며, 그림의 가장자리가 마치 생각의 가장자리처럼 느껴지게 합니다. 그녀에게 보여지는 것은 그림의 일부일 뿐입니다. 그녀는 자신의 이미지가 불러일으키는 감각, 연상, 그리고 질문들에 동등하게 관심을 가집니다. 각 그림에서 장야친은 우리를 그녀 세계의 작은 조각 속으로 떨어뜨려 탐험을 권장합니다. 정교함과 유희의 균형을 맞추며, 그녀는 관람객이 머물고, 다시 보고, 일상의 미묘한 신비 속으로 들어오도록 초대합니다.
Born in Hong Kong, she studied classical painting at ateliers in Florence, Paris, and New York City. Combining technical precision with personal interests, Chang has developed a visual language that is inspired by a range of references— from 18th century French still life painter Jean Siméon Chardin to modern Swedish abstractionist Hilma af Klint, as well as the comic book style of Calvin and Hobbes. As a result, her works possess both a masterful attention to texture, form, light, and an undercurrent of humor and mischief.
Chang’s process begins long before brush meets canvas. As a collector of objects—from online and antique markets, toy stores, or grocery stores—she is interested in the ability of objects to hold personal and societal meaning. Each object is kept on hand until itreveals its purpose. In her studio, she stages scenes by carefully arranging lighting and miniature props, including swords or woven hats, which she paints from life. Once painted into existence, her figures slip beyond her grasp. Oftentimes, subjects appear at a crossroads or at a critical point in their journey—as in Ways I or Ways II,—taking on their own autonomous logic. In her paintings, looking becomes an act of excavation, where each brushstroke invites further questions.
In Finding Ewha, food becomes a recurring subject. Curry fish balls, fruit, and shrimp dumplings are rendered with exquisite care, evoking a feeling of nostalgia. The natural evolution and decay of these objects become a narrative device—marking the passage of time and imbuing Chang’s paintings with a living presence. In Traditions: Feast, a banquet appears frozen in time: thin rolls of meat stacked into a neat pyramid, tofu sheets folded with the orderliness of pressed linen, a small hot pot with its burner, and a cluster of meatballs awaiting their turn in the broth. At either end of the table, two bright mandarin oranges punctuate the subdued palette, becoming active dinner guests. Lit from above in a chiaroscuro stillness, the scene has an almost devotional air, transforming a casual meal into a kind of ritual.
In another painting, titled Bamboo Nights, the vertical rhythm of bamboo stalks divides the scene into narrow columns of space, evoking a stage set. Between them, a pear—holding a miniature sword and capped with a woven hat—becomes an absurd yet dignified figure. The scene is pierced by what could be interpreted as moon light, with precise shadowing by the artist, which lends an ominous air. This interplay of whimsy and restraint feels central to Chang’s practice. In a related work, Swordsmen Scuffle, a lone pear in combat gear is surrounded by slices of its own kind, wedge-shaped fragments that read as both spoils and casualties. A fallen sword lies nearby, suggesting a narrative beyond the frame. Here, humor gives way to something more poignant: a meditation on mortality and the fragility of life.
Finding Ewha unites Chang’s technical mastery with an ever-deepening exploration of psychological space. Her work dwells in the space between containment and expansion, where the edge of a painting feels like the edge of a thought. For her, what is shown is only part of the picture—she is equally concerned with the sensations, associations, and questions that her images provoke. In each painting, Chang drops us into a small part of her world, encouraging exploration. Balancing precision with play, she invites the viewer to linger, to look again, and to enter the subtle mysteries of the everyday.
조형적인 긴장감
페로탕 뉴욕에서 만난 장야친의 전시는 고전적인 회화의 격조와 현대적인 위트가 얼마나 근사하게 어우러질 수 있는지를 보여준 시간이었어요. 피렌체와 파리에서 다져진 정통파의 실력으로 '배(Pear)' 한 알을 영웅적인 검객으로 변모시키거나, 일상의 식재료를 경건한 의식의 주인공으로 격상시키는 작가의 집요한 관찰력이 정말 인상적이었어요. 사물들이 캔버스 안에서 무게감을 갖고 배치된 그 '조형적인 긴장감'이 무척 흥미롭게 다가왔구요.
사진의 선명함을 뛰어넘는 그 지독한 세밀함과 페로탕 갤러리 특유의 압도적인 공간감이 사진에서도 잘 보였으면 좋겠네요. 사물에 생명력을 불어넣는 장야친의 작품세계를 여러분도 함께 느껴보셨으면 좋겠어요.
Formal Tension
The exhibition of Chang Ya Chin at Perrotin New York was a masterclass in how classical painterly elegance can seamlessly blend with contemporary wit. It was truly impressive to see her relentless observation—honed through classical training in Florence and Paris—transform a simple pear into a heroic swordsman or elevate everyday ingredients into the protagonists of a solemn ritual. I was particularly fascinated by the "formal tension" created by the way these objects are positioned within the canvas, each carrying its own distinct weight.
I hope the photos capture even a fraction of her obsessive detail—which goes far beyond the clarity of a photograph—and the overwhelming sense of space unique to Perrotin Gallery. I truly hope you all get a chance to experience Chang Ya Chin’s artistic world, where she breathes life into the inanimate.