MARGUERITE HUMEAU : Scintille
Jan 16 - Feb 21, 2026
White Cube New York, 1002 Madison Ave, New York, NY 10075
I recently visited the Marguerite Humeau exhibition at White Cube. Humeau is an artist whose futuristic works evoke an incredibly mysterious and subtle atmosphere. She is currently hailed as a genius female artist born in the 1980s, drawing immense attention from the global art world. It is said that the trendiest museums in New York and Europe are literally lining up to host her exhibitions. Rather than simply painting, Humeau poses eccentric yet grand questions, such as, "What sound would a woolly mammoth make if it were resurrected today?" or "How would extraterrestrial beings experience love?" Collaborating with scientists and archaeologists, she brings these ideas to life through sculptures that are simultaneously eerie and beautiful. As a result, walking through her exhibition feels like stepping into the interior of a spacecraft or an ancient, primordial cave.
As a star artist holding a solo show at White Cube—one of the most influential galleries in the world—this exhibition itself is a testament to her proven stature in the industry. Renowned institutions like Tate Modern in London and MoMA in New York are reportedly competing to acquire her works. Personally, I found her drawings so captivating in person that I remember standing there, staring at them intensely for a long time.
마르게리트 위모: scintille
마르게리트 위모는 서파푸아의 동굴 방문과 그곳에서 마주한 생명체들로부터 영감을 받아, 동굴의 복잡한 생태계와 그 거주자들에 대한 연구를 바탕으로 한 새로운 작업들을 선보입니다. 작가는 동굴의 어둠을 '전환, 흐름, 그리고 불확실성'에 대한 은유로 삼았으며, 아직 영어로 정의되지 않은 복잡한 감정들을 정의하려는 언어적 실험인 존 코닉의 저서 『모호한 슬픔들의 사전(The Dictionary of Obscure Sorrows)』에서도 영감을 얻었습니다. 위모에게 미로 같은 동굴은 건축적으로 '명확한 출구가 있는 불확실성의 시뮬레이션'인 동시에, 어둠과 불확정성이 '정복해야 할 공백'이 아닌 '집단적 생존을 가르치는 스승'으로서 새로운 협력의 형태를 만들어낼 수 있는 조건임을 깨닫게 해주었습니다.
전시 제목인 scintille(신틸레)는 라틴어 scintilla에서 유래한 것으로, '불꽃' 또는 '작은 섬광'을 의미하며, 인식이나 감각의 가장자리에서 느껴지는 희미한 흔적을 상징하기도 합니다. 위모의 신작에서 이 개념은 물리적인 동시에 덧없는 것입니다. 'scintille'는 박쥐의 빛나는 눈이나 동굴의 밝은 광물 퇴적물을 넘어, 미지의 것에 이름을 붙이거나 형태를 부여하기 시작할 때 느껴지는 '이해의 미광'을 환기시킵니다. 동굴의 원초적인 어둠 속에서 생명체 사이의 경계는 녹아내립니다. 위모는 "모든 것은 물질과 에너지의 동일한 흐름 속에 있으며, 삶은 그 나름의 속도로 진행된다"고 관찰합니다. 서파푸아 동굴에서 경험한 개인과 존재의 근본적인 해체를 반영하여, 이번 전시는 작품들이 단순히 분리된 객체가 아니라 살아있는 주체로 행동하는 몰입형 '조각적 관계들로 채워진 감정적 풍경'을 제시합니다.
동굴 같은 갤러리 1층에 들어서면, 얼룩덜룩한 빛 아래 4미터 높이의 거대한 두 '수호자'가 우뚝 서 있습니다. 종유석의 결정 구조를 떠올리게 하는 이 조각들은 반복적인 층 쌓기, 채색, 래커칠을 통해 만들어졌으며, 그 표면은 오랜 시간 퇴적물이 쌓인 것 같은 색상과 질감의 층을 드러냅니다. 기이하고 외계 생명체 같은 <Softament (광물 기억의 수호자)>(2025)는 땅에서 솟아올라 구불구불한 곡선과 주름을 만들며 위로 솟구칩니다. 그 끝에는 정교한 유리 구체들이 물방울처럼 모여 종유석을 키우는 광물을 실어나르는 모습을 형상화합니다. 작가는 코닉의 '사전'에서 착안해 직접 만든 신조어인 'Softament(소프트먼트)'를 제목으로 붙였는데, 이는 "결국 기념비를 만들어내는 작고 반복적인 믿음의 행위들이 쌓이는 것, 거창하지는 않지만 지질학적이고 느리며 인내심 있는, 거의 보이지 않는 끈기에서 오는 변화"를 의미합니다. 또 다른 수호자인 <Stillenary (출현의 수호자)>(2025)의 신조어는 "완벽한 정지 상태를 통해 움직임을 만들어내는 역설"을 뜻합니다.
위층 갤러리에서 위모는 동굴의 주요 동물 주인공인 '박쥐'에 집중합니다. 박쥐의 행동과 사회 조직에 대한 광범위한 연구를 통해, 작가는 박쥐들이 밀집된 집단을 이루어 번식, 먹이, 둥지 관리 등 개별적인 역할을 수행하며 번영하는 '돌봄의 행위'를 발견하고 놀라워했습니다. 이러한 역동성은 캐스팅 유리 조각들에 반영되어, 박쥐들이 서로 혹은 동굴 벽과 융합되어 자신들을 지탱하는 환경과 구별할 수 없게 된 모습을 보여줍니다. 각 조각은 집단 내 박쥐의 역할을 제목으로 삼아 공동체적 책임에 대한 의존성을 강조합니다. 예를 들어 <혈통을 넘어선 공급자 (The Provider Beyond Bloodlines)>(2025)는 날개 속에 깊숙이 자리 잡은 배고픈 새끼들에게 젖을 먹이는 모습을 보여줍니다. 코 위에 작은 박쥐가 앉아 있는 <추락하는 새끼를 구하는 자 (The Retriever of the Fallen Pup)>(2025)는 "작은 것이 허공으로 떨어지는 것을 그냥 지켜보지 못하고 함께 몸을 던지는" 구체적이고 보호적인 본능을 시각화합니다. 이 조각들은 개별적 경계를 넘어 상호 연결된 장면들을 연출하며, 생태적, 사회적, 감정적 얽힘을 이야기합니다.
조각들 사이에는 안료와 숯으로 작업한 12점의 종이 작품이 배치되어 있습니다. 아치형 동굴 입구 모양을 닮은 이 작품들은 동굴의 다른 방과 혈관으로 이어지는 포털 역할을 합니다. 이 드로잉들은 수호자 조각이 만들어지는 축적의 과정을 거울처럼 반영하며, 여러 층이 쌓여 마침내 '먼지 구름 속에서' 빛나는 형태가 드러나도록 제작되었습니다. '새롭게 떠오르는 감정'을 구현하기 위해 고안된 각 드로잉은 작가가 직접 만든 단어와 정의를 제목으로 가집니다. The Provider Beyond Bloodlines (2025)에서는 혈관 같은 선들이 표면에 피어나 "느린 순환이 성장을 만들고, 물이 바위를 타고 흐르며 숨겨진 생명력이 되는 고요한 확신"을 형상화합니다. The Retriever of the Fallen Pup (2025)에서도 비슷한 선들이 공백 같은 배경 위에 네온 핑크색으로 빛나며 "미생물 막에 비친 얇은 뿌리들의 광채, 절대적인 어둠 속에서 빛나는 연약한 가닥들, 사라지기를 거부하는 태도, 어둠이 날카롭게 벼려주었기에 존재하는 밝음"을 보여줍니다.
오늘날처럼 불확실한 시대에 위모는 동굴을 교류와 만남의 장소로 제안하며, 그 안에서 개인이 공존이라는 더 넓은 논리 속에 재맥락화되기를 바랍니다. "이것은 단순히 조각을 만드는 것이 아니라 생명을 만드는 일입니다."라고 위모는 설명합니다. "이 작품들은 거의 액체 같은 느낌을 줍니다. 살아있거나, 죽었거나, 혹은 그 중간 어디쯤에 있지만, 모두 영혼을 가지고 있습니다." 불확실성을 지각하고, 거주하며, 견뎌내는 새로운 시학을 담은 '감정적 풍경'을 통해, 'scintille'는 인간이 아닌 가이드(박쥐와 동굴 생명체)들을 불러내 우리가 미래를 항해하도록 돕습니다. 여기서 무정형의 어둠과 미지의 세계는 공포의 전령이 아니라, 서로를 돌보고 공동의 회복력을 키우는 대안적인 방법을 상상해 보라는 초대장입니다. 위모가 강조하듯, "궁극적인 돌봄은 자아를 환경과 통합시켜 더 이상 별개의 존재가 아닌 전체의 일부가 되는 것"입니다.
scintille
Sparked by her visit to a cave in West Papua and the lifeforms she encountered there, Marguerite Humeau has created a new body of work that draws upon her research into the intricate ecosystems of caves and their inhabitants. Taking the cave’s darkness as a metaphor for transition, flux and uncertainty, the artist was also inspired by John Koenig’s The Dictionary of Obscure Sorrows, a semantic experiment that attempts to define complex emotions not yet available to the English language. For Humeau, the labyrinthine cave came to parallel a ‘simulation of uncertainty with a clear exit’ architecturally but, equally, fostered an understanding that darkness and indeterminacy are conditions capable of instantiating ‘new forms of cooperation – from voids to be conquered to teachers of collective survival’.
The exhibition title ‘scintille’ derives from the Latin scintilla – meaning a spark or small flash of fire – which has also come to signify a faint trace or residual hint at the edges of perception or sensation. In Humeau’s new work, this idea is at once physical and ephemeral; further to the glowing eyes of bats and the bright mineral deposits native to the cave, ‘scintille’ evokes the glimmers of understanding that give early shape or name to the unknown. Within the primordial dark of the cave, boundaries between lifeforms appear to dissolve: ‘Everything is part of the same flowing exchange of matter and energy,’ Humeau observes, ‘where life proceeds at its own pace.’ Reflecting this radical dissolution of individual and entity she experienced in the West Papua cave, ‘scintille’ presents an immersive, ‘emotional landscape populated with sculptural relationships’, wherein artworks behave as active agents rather than merely discrete objects.
On entry into the cavernous, first-floor gallery, two colossal ‘guardians’ loom at four metres tall in dappled light. Recalling the crystalline structures of stalagmites, the sculptures were formed through repeated layering, pigmenting and lacquering, and their surfaces reveal strata of colour and texture that suggest the gradual accumulation of sediment over time. The strange, almost alien Softament (The Guardian of Mineral Memory) (2025) appears to emerge from the ground, twisting upwards into sinuous swells and folds; at its tip, delicate glass orbs gather like so many water droplets carrying the minerals that render ever-growing stalagmite forms. Taking cues from Koenig’s Dictionary, the artist has titled the work after one of her own neologisms, Softament, a word devised to invoke ‘the accumulation of tiny, repeated acts of faith that eventually create monuments. A change that comes from persistence, that is not grand, but is geological, slow, patient, almost invisible.’ The neologism of its counterpart, Stillenary (The Guardian of the Emergence) (2025), meanwhile, refers to ‘the paradox of creating movement through perfect stillness.’
The upstairs gallery Humeau has dedicated to the key animal protagonist of the cave: the bat. During her extensive research into the creature’s behaviour and social organisation, the artist was astounded to discover familiar acts of care – living in dense groups, bat colonies thrive through the assignment of individual roles related to reproduction, food and maintenance of the roost. These dynamics inform Humeau’s cast-glass sculptures, many of which show bats fusing with one another or the cave walls, their bodies becoming indistinguishable from the environment that sustains them. Each sculpture is titled with the role a bat may play within the group, foregrounding the creatures’ reliance on collective responsibility. The Provider Beyond Bloodlines (2025), for example, provides milk to a gaggle of hungry pups, who nestle deep into her wings. Elsewhere, a small bat perched on the nose of The Retriever of the Fallen Pup (2025) visualises a specific, protective impulse: ‘the inability to watch anything small fall without launching yourself into the void after it’. Together, these sculptures stage scenes of interconnection that exceed the boundaried individual, to instead speak of co-dependencies – of ecological, social and emotional entanglements.
Interspersed among Humeau’s sculptures are 12 works on paper in pigment and charcoal. Rendered on supports that echo the shape of arched cave mouths, they function as portals into other chambers and arteries of the cave. These drawings mirror the accretive process by which the guardian sculptures are made; they are built up through layers until, finally, lucent, billowing forms emerge, as if ‘from clouds of dust’. Conceived by Humeau to embody ‘a newly emerging emotion’, each drawing takes one of the artist’s coined words and definitions as its title. In Vasculeth (2025), vein-like linework blooms across the surface, lending image to ‘the quiet conviction that slow circulation creates growth, water moving through stone like a hidden lifeblood, a becoming...’. A similar tracery appears in Noctilumen (2025), itself a manifest scintilla picked out in neon pink against a void-like ground: ‘the radiance of thin roots lit by microbial films, fragile strands glowing in absolute dark, a refusal to disappear, a brightness that exists only because darkness sharpens it.’
In times as uncertain as ours, Humeau proposes the cave as both a site of exchange and a venue of encounter, one in which the individual is recontextualised within a wider logic of co-existence. ‘It is not really about creating sculptures’, Humeau explains, ‘it’s about creating life. These works have something that feels almost liquid. They’re alive, dead or somewhere in-between, but they all have a soul.’ In composing an ‘emotional landscape’ that engages a new poetics of perceiving, inhabiting and enduring uncertainty, ‘scintille’ calls upon non-human guides to orient us in our navigation of the future. Here, amorphous darkness and the unknown are not emissaries of fear but rather invitations to speculate upon alternative ways to care for each other and cultivate shared resilience. As Humeau insists, ‘the ultimate care is the merging of the self with the environment, so that you’re not an entity anymore, you’re a part of the whole.’
동굴이라는 원초적인 공간을 통해 불확실한 미래를 탐구하는 마르게리트 위모의 세계는 무척이나 경이로웠어요. 차갑고 미래지향적인 조각들 사이에서, 서로를 돌보는 박쥐들의 공동체나 시간을 견뎌낸 광물들의 이야기를 마주하니 묘하게 마음이 따뜻해지는 기분이었어요.
특히 전시실 한편에서 제 발길을 오랫동안 붙잡았던 드로잉들은, 작가가 직접 만든 새로운 감정의 단어들처럼 섬세하고도 강렬한 생명력을 뿜어내고 있었구요. 보이지 않는 어둠 속에서도 끊임없이 순환하며 성장을 만들어내는 그 '고요한 확신'이 제게도 큰 울림으로 다가온 시간이었어요. 조각과 페인팅을 적절하게 모두 완성도 있게 보여주는 작가의 작업에서 큰 영감을 받을수 있었던 전시였어요. 감사합니다.
Exploring the world of Marguerite Humeau, who investigates our uncertain future through the primordial space of a cave, was truly marvelous. Amidst her cold, futuristic sculptures, encountering stories of bat communities caring for one another and minerals that have endured the test of time left me feeling strangely comforted.
In particular, the drawings that held my gaze for so long exuded a delicate yet powerful vitality, much like the neologisms for new emotions created by the artist herself. The 'quiet conviction' of creating growth through constant circulation, even in the invisible darkness, resonated deeply with me. It was an exhibition where I could draw immense inspiration from the artist's work, which presented both sculptures and paintings with such a high level of completion and balance. Thank you.