FERNAND REGER : The Mechanical Paintings 1918-1923
Nov 5 - Dec 20, 2025
SKARSTEDT Gallery, 20 E 79th St, New York, NY 10075
안녕하세요. 오늘은 20세기 현대 미술의 물줄기를 바꾼 거장, 페르낭 레제의 전시를 보기 위해 스카스테드 갤러리에 다녀왔어요. 페르낭 레제는 기계의 차가운 질감을 예술적인 따뜻함과 질서로 승화시킨 작가로 유명한데요. 특히 이번 전시는 그의 예술적 정점으로 꼽히는 '기계적 시기(Mechanical Period)'를 집중적으로 조명하고 있었어요. 박물관에서나 볼 법한 거장의 귀한 작품들을 갤러리에서 직접 마주하니 감회가 남달랐어요.
전시를 하고있던 스카스테드 갤러리는 업타운의 중요 갤러리 중 하나에요. 뉴욕 어퍼 이스트 사이드(등 주요 거점에 위치한 아주 영향력 있는 갤러리에요. 아무 작가나 전시하지 않고, 페르낭 레제처럼 이미 미술사적 가치가 검증된 '블루칩' 거장들의 작품을 전문적으로 다루는것 같아요. 갈때마다 앤디워홀이나 책에서나 박물관에서 볼법한 거장들 전시를 종종 하고는 해요. 이번 전시처럼 유명 미술사학자가 도록에 참여할 정도로 전시의 수준이 매우 높아서, 갤러리 전시임에도 불구하고 박물관급 퀄리티를 보여주는 곳으로 유명해요.
I visited Skarstedt Gallery to see an exhibition by Fernand Léger, a master who changed the course of 20th-century modern art. Léger is famous for sublimating the cold texture of machines into artistic warmth and order. This particular exhibition focused on his "Mechanical Period," which is considered the pinnacle of his artistic career. It felt truly special to encounter such rare masterpieces—works you would typically only see in a museum—right here in a gallery setting.
Skarstedt Gallery, where the exhibition is being held, is one of the major galleries in Uptown. It is a highly influential gallery located in key spots like the Upper East Side of New York. They seem to specialize in "blue-chip" masters whose art-historical value has already been proven, rather than exhibiting just any artist. Whenever I visit, they often host shows for giants like Andy Warhol—artists you usually find only in textbooks or museums. The quality of their exhibitions is so high that famous art historians often participate in their catalogs, giving the gallery a reputation for museum-quality presentations.
기계적 회화
스카스테드(Skarstedt) 갤러리는 예술가의 이른바 '기계적 시기'를 조명하는 전시인 '페르낭 레제: 기계적 회화 1918–1923'을 개최하게 되어 기쁩니다. 레제에게는 전쟁 이전의 중요한 단계들이나 커리어 후반의 기념비적인 벽화 작업도 있었지만, 이 '기계적 시기'는 종종 그의 예술적 돌파구이자 20세기 미술에 기여한 가장 상징적인 업적으로 묘사됩니다.
이 시기는 회화뿐만 아니라 디자인, 건축, 그리고 영화에까지 영향을 미친 시각 언어를 결정지었으며, 이후 인간 형상에 대한 탐구와 평생에 걸쳐 지속된 기계에 대한 매혹과 불안감의 기초를 마련했습니다. 작품이 제작된 지 100년이 지난 지금, 이 작업들은 놀라울 정도로 시급한 공명감을 줍니다. 기술 발전의 가속화에 대한 레제의 매혹은 자동화, 인공지능, 그리고 시스템 내 인간의 역할이 문화적 논쟁을 주도하는 우리의 현재 모습을 거울처럼 비추고 있기 때문입니다. 그가 기계 시대의 약속과 위험 사이에서 고군분투했듯, 우리 역시 급격한 변화가 주는 유혹과 불안을 헤쳐 나가고 있습니다.
레제에게 전쟁 경험은 결정적이었습니다. 전선에서 복무하고 1917년 가스 공격으로 입원했던 그는 기계의 힘에 대한 예리한 인식을 가지고 1차 세계대전에서 돌아왔습니다. 햇빛에 비친 총의 약실이 내뿜는 광채에 매료된 그는 형태를 해체하던 입체주의를 버리고 원통, 원반, 그리고 톱니바퀴의 견고함을 선택했습니다. 나아가 그는 새로운 회화적 해결책뿐만 아니라, 현대 산업과 조화를 이루는 예술을 통해 유럽의 집단적 재건에 기여할 방법을 모색했습니다. 그의 '기계적 회화'는 대담한 기하학적 형태, 부피감 있는 명료함, 그리고 찬란한 색채가 특징이며, 추상과 구상 사이의 경계에서 현대 생활의 흥분과 그 이면에 흐르는 비인칭성 및 파편화를 포착합니다.
이번 전시에 모인 작품들은 1918년부터 1923년 사이 레제가 수행한 탐구의 전 범위를 반영합니다. '휴전(L’Armistice)'과 '버넌의 1918년 7월 14일' 같은 기념비적인 캔버스들은 갈등의 기억과 평화에 대한 취약한 희망을 다루며, 회복력과 혁명의 상징으로 군복과 국기를 포함합니다. '도시의 원반들', '배의 다리', 그리고 '기계적 요소들'을 포함한 도시의 비전들은 파리의 리듬과 산업 인프라를 역동적인 시각 시스템으로 번역하며, 예인선, 프로펠러, 그리고 표지판이 기계적 에너지로 고동치게 합니다. 이 추상화된 기계 조각들은 현대 생활의 익명성 속에서 숭고함을 발견하며, 심지어 자연 풍경조차 거대한 현대 기계의 일부로 인정합니다.
병, 파이프, 그리고 도구들이 계급적 위계를 벗어나 기계화된 부품으로 렌더링된 정물화들 역시 혁신적입니다. '점심(Le déjeuner)'과 '세 여인과 정물'에서 일상은 인간의 형상과 결합하며, 생명체와 무생물 형태 사이의 연속성을 시사합니다. 이러한 연속성은 인체를 다루는 레제의 방식에서 더욱 분명하게 드러납니다. 모듈화된 존재들은 비인칭화되어 기계의 반복적인 작동처럼 일상 속에 잠재된 반복성을 강조합니다. '거울 앞의 여인' 같은 그림에서 가사 의례는 기기학적 구조로 재구성되며, '정원의 세 인물'은 레제가 생각한 새로운 인물상을 구체화합니다. 이 인물들은 거대하고 정면을 응시하며 주변 환경과 위계 없이 융합되어, 고전 거장들의 명료함과 무게감을 기계적 시기의 비인칭적 논리와 결합합니다.
레제는 유흥과 오락의 묘사를 통해서도 이러한 시각 언어를 탐구했습니다. '메드라노 서커스'는 서커스와 고독한 곡예사를 통해 개별적 정체성보다 리듬, 반복, 그리고 대중적 장관을 강조합니다. 그의 손에서 서커스는 비개인화되면서도 공유되는 현대 생활의 경험에 대한 은유가 됩니다.
또한, 더들리 머피와 공동 감독하고 레제가 제작한 유일한 영화인 '기계적 발레(1924)'도 상영됩니다. 초기 전위 영화의 이정표인 이 작품은 서사를 거부하고 일상 용품, 기계 부품, 그리고 파편화된 인간 형상을 기계의 논리를 모방한 리듬감 있는 반복으로 편집하여 보여줍니다. 장난스러우면서도 혼란스러운 이 영화는 레제의 회화가 기계의 비인칭적 효과를 기록하는 동안에도 그가 새로운 기술을 기꺼이 수용했음을 보여줍니다. 이 영화는 원통, 원반, 그리고 양식화된 신체라는 회화적 어휘를 움직이는 이미지로 확장함으로써, 캔버스 위에 구현된 파편화되고 리듬감 있는 질서의 영화적 짝을 이룹니다.
전례 없는 사회적, 기술적 격동 속에서 새로운 회화적 질서가 출현했음을 보여주는 이 작품들은 기계화를 향해 달려가던 20세기 초의 흥분과 혼란을 포착하며, 묘하게도 우리 시대를 이야기하고 있습니다. 이번 전시에는 미술사학자 할 포스터(Hal Foster)가 집필한 도록이 함께 발간될 예정입니다.
Skarstedt is pleased to present Fernand Léger: The Mechanical Paintings, 1918–1923, an exhibition devoted to the artist’s so-called “mechanical period.” While Léger had important phases prior to the war, such as his Contraste de formes, as well as his monumental mural work later in his career, the “mechanical period” is often described as his breakthrough and most iconic contribution to twentieth century art. It crystallized a visual language that influenced not just painting, but also design, architecture, and cinema, setting the foundation for his later explorations of the human figure and the longstanding sense of both fascination and unease with machines that would continue throughout his career. Over a century after their creation, these works resonate with striking urgency: Léger’s fascination with the accelerated pace of technological development mirrors our own present moment, when questions of automation, artificial intelligence, and the role of the human within systems of progress dominate cultural debate. Just as he grappled with the promises and perils of the machine age, we too navigate the allure and anxiety of rapid change.
The experience of war was decisive for Léger. Having served at the front and been hospitalized after a gas attack in 1917, he emerged from World War I with a sharpened awareness of machinery’s power. Dazzled by the gleam of a gun’s breech in sunlight, he abandoned Cubism’s dissolution of form for the solidity of cylinders, discs, and cogs. In turn, he sought not only new pictorial solutions but also a way to contribute to Europe’s collective reconstruction through an art aligned with modern industry. His “mechanical paintings” are marked by bold geometry, volumetric clarity, and radiant color, living in the liminal space between abstraction and figuration and capturing the exhilaration of modern life and its undercurrents of impersonality and fragmentation.
The works gathered here reflect the full range of Léger’s explorations between 1918 and 1923. Commemorative canvases such as L’Armistice and Le 14 juillet 1918 à Vernon (both 1918) address the memory of conflict and the fragile hope of peace, incorporating uniforms and flags as symbols of resilience and revolution. His visions of the city, including Les disques dans la ville (1918–19), Le pont du bateau (1919), and Eléments mécaniques (1922), translate the rhythms of Paris and its industrial infrastructure into dynamic visual systems, where tugboats, propellers, and signage pulse with mechanical energy. These pieces of abstracted machinery find the sublime in the anonymity of modern life, even acknowledging the natural landscape as part of the greater modern machine.
Equally transformative are his still lifes, where bottles, pipes, and tools are stripped of hierarchy and rendered as mechanized components. In Le déjeuner (1921) and Les trois femmes et la nature morte (1921), the everyday merges with the human figure, suggesting continuity between animate and inanimate forms. That continuity finds further expression in Léger’s treatment of the body itself. These modular beings are depersonalized, highlighting the repetition latent within the quotidian, much like the repeated workings of a machine. In paintings like Femme au miroir (1920), domestic rituals are reframed by geometric construction, while Les trois personnages dans le jardin (1922) crystallizes Léger’s new conception of the figure: massive, frontal, and lacking in hierarchy with their surroundings, fusing the clarity and weight of the Old Masters with the impersonal logic of the mechanical period.
Léger likewise explored this visual language through depictions of entertainment. Le Cirque Médrano (Esquisse) (1918) uses the circus and its lone acrobat to emphasize rhythm, repetition, and mass spectacle over singular identity. The circus becomes, in his hands, a metaphor for the de-individualized yet shared experiences of modern life.
Also on view will be Ballet mécanique (1924)—the only film Léger ever produced—a landmark of early avant-garde cinema co-directed with Dudley Murphy. Rejecting narrative, the film orchestrates a rapid montage of everyday objects, mechanical parts, and fragmented human forms edited into rhythmic repetitions that mimic the logic of the machine. At once playful and disorienting, Ballet mécanique reveals Léger’s willingness to embrace new technology, even as his paintings registered its depersonalizing effects. The film complements the paintings on view by extending their vocabulary of cylinders, discs, and stylized bodies into moving images, offering a cinematic counterpart to the fractured, rhythmic order he developed on canvas. The film’s inclusion in the exhibition makes clear that for Léger, the themes of reconstruction and mechanized rhythm were not confined to canvas but part of a larger, unified vision that he sought to render across the full spectrum of modern media.
Taken together, these works chart the emergence of a new pictorial order in the wake of unprecedented social and technological upheaval. Léger’s “mechanical period” captures the exhilaration and disorientation of the early twentieth century—a moment that, in its rush towards mechanization, speaks uncannily to our own.
The exhibition will be accompanied by a fully illustrated catalogue authored by art historian Hal Foster.
Original Text from SKARSTEDT Gallery
페르낭 레제의 이번 전시는 기계화라는 시대적 격변 속에서 예술이 어떻게 그 혼란을 질서로 바꿀 수 있는지를 명확히 보여주었어요. 차가운 금속과 기하학적 형태들이 그의 캔버스 위에서 리듬감을 얻고 활기찬 생명력으로 피어나는 모습이 인상 깊었는데요. 100년 전의 작업임에도 불구하고 기술의 정점에 서 있는 우리 시대의 고민과 맞닿아 있다는 점이 큰 울림으로 다가왔어요.
스카스테드 갤러리의 수준 높은 기획 덕분에 박물관보다 더 가까이에서 거장의 숨결을 느낄 수 있는 소중한 시간이었어요. 전통과 현대, 기계와 인간 사이의 균형을 찾으려 했던 레제의 시선이 여러분의 일상에도 명쾌한 에너지를 전해주길 바랄게요. 그럼 이번 뉴욕 전시 리뷰도 유익하셨길 바라며 마칠게요. 감사합니다.
Fernand Léger’s exhibition clearly demonstrated how art can transform the chaos of a mechanized era into a sense of order. It was deeply impressive to see how cold metal and geometric shapes gained rhythm and blossomed into vibrant vitality on his canvas. Despite being created a century ago, the fact that these works resonate so deeply with the concerns of our own era—a time at the pinnacle of technology—was truly profound.
Thanks to the high-quality curation of Skarstedt Gallery, it was a precious opportunity to feel the breath of a master even more closely than in a museum setting. I hope Léger’s vision, which sought a balance between tradition and modernity, and between machine and human, brings a clear energy to your daily life. I hope you found this New York exhibition review helpful. Thank you.